En tiempos donde el algoritmo decide lo que escuchamos, Plastilina Mosh regresa como una anomalía necesaria. Un grito en medio del feed. Jonás González y Alejandro Rosso, alquimistas del beat desde finales de los noventa, regresan no para repetir fórmulas, sino para romperlas. Su música, antes definida por la fusión desprejuiciada de funk, electrónica, hip hop, lounge y rock, ha mutado hacia terrenos más contemplativos y políticos, sin dejar de ser ese caos elegante que los convirtió en referentes internacionales. En este 2025 que también es año de rupturas y reinvenciones, el dúo presenta dos sencillos nuevos: “Ilegal” y “Conquistador”, himnos de una nueva era que no olvida de dónde viene.

“Ilegal”, con sus tintes sombríos y su crítica al control de masas, es un manifiesto moderno que nació en el 2011 pero fue lanzado en mayo pasado. La colaboración con Al Jourgensen de Ministry lo dota de una contundencia industrial que corta como lámina afilada. Su estética visual —distópica, Orwelliana, incómoda— complementa un discurso donde la propaganda y la manipulación son los antagonistas de una melodía que se niega a obedecer. En contraste, “Conquistador”, lanzada en junio, es un viaje más íntimo, un susurro que apunta a la épica interior. Una canción de exploración emocional, pausada y sofisticada, que demuestra la madurez de una banda que ya no necesita gritar para ser escuchada.

Este regreso —más bien, esta reinvención— no solo vive en los estudios de grabación, sino que cobra vida en el escenario, ese territorio donde la nostalgia se mezcla con la innovación. Y no hay mejor altar para este ritual sonoro que La Maraka, un recinto emblemático de la capital que ha acogido las más diversas expresiones musicales. El jueves 18 de septiembre será, así, una fecha para marcar en el corazón. Una velada en la que lo clásico y lo nuevo se fundirán sin pedir permiso, como siempre lo ha hecho Plastilina Mosh.

Los boletos están ya disponibles en el sistema Boletomóvil, una plataforma que no solo da acceso al evento, sino que abre la puerta a una experiencia sensorial que va más allá del concierto. Porque lo que se vivirá esa noche será una declaración: de independencia sonora, de irreverencia poética, de evolución sin concesiones.

La trascendencia de este evento también se explica por la visión de EnLive Production, promotora que se ha convertido en una fuerza transformadora en el panorama musical mexicano. Su apuesta por espectáculos que no solo entretienen, sino que provocan, despiertan y emocionan, ha sido clave para mantener viva la llama del arte con sentido. EnLive no programa fechas: crea encuentros irrepetibles, y el de Plastilina Mosh en La Maraka será uno de ellos. Apostar por este tipo de propuestas, donde la música se piensa y se siente con igual intensidad, es una forma de resistencia cultural que merece celebrarse.

Con una carrera que inició en 1997 con el mítico álbum Aquamosh, Plastilina Mosh ha sido siempre una anomalía luminosa dentro del rock mexicano. Desde los hits como “Mr. P. Mosh”, “Afroman”, “Pervert Pop Song” o “Peligroso Pop”, hasta sus exploraciones más oscuras y electrónicas, han sabido escapar a toda clasificación. Su eclecticismo no ha sido pose, sino esencia; su humor, una trinchera; su elegancia sonora, una forma de subversión.

Hoy, más de 25 años después, lejos de vivir del pasado, regresan con nuevas preguntas, nuevas texturas, nuevas intenciones. Su música sigue siendo un espejo deformante de la realidad, una pista de baile donde conviven la ironía y la melancolía, la crítica social y el hedonismo, el gozo y la furia.

El jueves 18 de septiembre en La Maraka, esa dualidad volverá a desplegarse con todo su poder. El escenario será una pista de aterrizaje para beats recién nacidos y un santuario para los himnos que marcaron a generaciones. Quienes acudan lo harán no solo para ver a Plastilina Mosh, sino para recordar que el arte sigue siendo una forma de resistencia, que el ruido también puede ser bello, y que la música, cuando se hace con verdad, nunca envejece.

Los boletos están ya disponibles en Boletomóvil y no deberían esperar. Porque este no es un show más: es una oportunidad única de ver renacer, frente a nuestros ojos, a una de las bandas más inteligentes, audaces y queridas del país. Monterrey se cruza con la Ciudad de México en una noche donde el futuro y el pasado chocarán en una explosión de sonidos inconfundibles.

Y al final del concierto, cuando las luces se apaguen y los cuerpos sigan temblando con los ecos de las canciones, quedará la certeza de haber sido parte de algo grande. Porque así es Plastilina Mosh: inclasificable, indispensable, inolvidable.

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Okills, la banda venezolana que ha sabido transformar el indie rock en un ritual festivo con matices tropicales, ofreció un concierto silente que más que un espectáculo, fue un respiro compartido.

Allí, en medio de luces suaves y un silencio casi sagrado, emergieron canciones como Asesina, Lo mejor lo peor, No te emociones, La mudanza y Sigo sin pensar en ti, convertidas en confesiones íntimas que flotaban entre los asistentes como si cada acorde se tejiera con la respiración de todos.

La experiencia, lejos del estruendo habitual del rock, demostró que la energía no siempre necesita decibeles, sino autenticidad, y que Playhaus de Totalplay ha encontrado la fórmula perfecta para crear un espacio donde el arte puede escucharse con los ojos cerrados y el corazón abierto.

Ese preludio marca la antesala de un momento histórico: el próximo 5 de octubre en el Foro Indie Rocks, Okills celebrará el décimo aniversario de América Supersónica, el disco que en 2015 les abrió las puertas de una nueva vida en México y que, con sus guitarras frescas y su vibra indie festiva, redefinió los caminos del pop rock latino.

Será una noche donde el indie rock brillará en su máxima expresión: irreverente, diverso, profundamente humano. “Esta gira es una fiesta en movimiento y un agradecimiento por estos 10 años; queremos que cada ciudad viva una noche distinta, con mucha música, cercanía y sorpresa”, compartió la banda ante los medios, subrayando que en el Indie Rocks se escuchará el álbum de principio a fin, como una cápsula de tiempo que se abre para revivir una época y proyectar el futuro.

En esta cita, no solo resonarán himnos como Bonito y Te necesito, que aún conservan el pulso de los primeros años de Okills, sino que también habrá nuevas versiones y lecturas distintas, propias de una banda que ha aprendido a reinventarse sin perder su esencia.

El Indie Rocks, epicentro de la escena independiente en la Ciudad de México, se transformará en un templo de guitarras y memorias colectivas, donde el indie rock demostrará por qué ha sido la voz de generaciones que encuentran en la independencia una forma de resistencia cultural.

Lo de Playhaus y Totalplay se confirma como un fenómeno aparte. Más allá de ofrecer un escenario, han construido un ecosistema donde creadores de contenido y artistas encuentran un refugio para experimentar y soñar en grande. Lo sucedido anoche no fue solo un concierto: fue un recordatorio de que Playhaus no se conforma con albergar música, sino que diseña atmósferas que se vuelven imposibles de olvidar.

Y en esa ecuación, Artemisa Music brilla con luz propia. En tan poco tiempo, la agencia se ha consagrado como un referente en México, aliándose con artistas que entienden la urgencia de crear experiencias distintas y memorables. Su trabajo con Okills no es un movimiento aislado, sino parte de una visión más amplia: apostar por la originalidad y posicionar a la música independiente en los espacios que merece, entre el cariño del público y la atención de la industria.

Cuando las luces del Foro Indie Rocks se enciendan el 5 de octubre, no será solamente la celebración de un disco que cumple diez años, sino el renacimiento de un espíritu. Porque América Supersónica no fue solo un álbum: fue un manifiesto de libertad, de identidad y de fiesta perpetua que sigue latiendo en la sangre de quienes lo escucharon en su estreno y en quienes hoy descubren en sus canciones un eco vital.

Lo que se vivió en Playhaus fue la prueba de que Okills no solo tiene historia: tiene futuro, y ese futuro se escribe con la misma tinta con la que nació el indie rock, esa mezcla de independencia, rebeldía y poesía eléctrica que ilumina la noche como un relámpago eterno

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Aquí te presentamos 7 ejemplos de cómo la censura, en lugar de apagar el rock, lo hizo eterno.

1. “Light My Fire” – The Doors

Cuando Jim Morrison cantó en vivo la frase “girl, we couldn’t get much higher”, la televisión exigió que cambiara la letra por su referencia a las drogas. Morrison se negó y la tocó igual. Resultado: prohibición en el programa y nacimiento de una leyenda rebelde.

2. “Lola” – The Kinks

Su historia de amor con una persona transgénero fue demasiado polémica para los años 70. Algunas estaciones se negaron a tocarla, pero terminó marcando un antes y un después en la diversidad dentro del rock.

3. “Imagine” – John Lennon

En plena Guerra Fría, el mensaje de un mundo sin fronteras ni religiones fue visto como subversivo. Muchas radios de EE. UU. la vetaron. Hoy es una de las canciones más interpretadas en eventos por la paz.

4. “Smells Like Teen Spirit” – Nirvana

Aunque no fue prohibida oficialmente, MTV limitó su transmisión por la energía caótica y “peligrosa” de los fans en el videoclip. Eso solo reforzó el mito del grunge como voz antisistema.

5. “Money for Nothing” – Dire Straits

Su letra contenía expresiones consideradas homofóbicas, lo que provocó que fuera retirada en varias emisoras en los 80. Aun así, su riff se convirtió en uno de los más icónicos del rock.

6. “I Want to Break Free” – Queen

El video con la banda travestida fue un escándalo para MTV en EE. UU., que la censuró. Pero en Latinoamérica se volvió un himno de libertad y resistencia, aún coreado en marchas y festivales.

7. “God Save the Queen” – Sex Pistols

Lanzada durante el Jubileo de Plata de la Reina Isabel II, fue considerada un ataque directo a la monarquía. Fue prohibida en la BBC, pero se convirtió en el estandarte del punk y la rebeldía británica.

Cada intento de censura demostró que el rock no solo era música: era discurso, era revolución, era espejo de lo que nadie quería decir en voz alta. Hoy, estas canciones no solo se escuchan: se gritan como banderas de libertad.

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Miguel, fundador del proyecto, comparte que la agrupación nació de una pasión genuina por la música de Depeche Mode. “No lo hacemos por fama, lo hacemos porque nos gusta. Es convicción musical personal”, afirma. La idea siempre fue llevar al público una experiencia real de concierto, cuidando cada detalle.

Una trayectoria marcada por la música

Desde finales de los años 80, Miguel ha estado involucrado en la escena musical mexicana, compartiendo escenarios con Fobia, Caifanes, Santa Sabina y Maldita Vecindad. Para él, este tributo representa una culminación de su carrera: “El tributo para mí ha sido como mi escuela y mi graduación”.

Músicos con gran trayectoria

La agrupación está formada por músicos con amplia experiencia en producción y composición. Ramón Bouches, el vocalista, es productor y compositor; Jesús Leonid, guitarrista, tiene un estudio de grabación; y todos aportan un estilo único que evita la imitación burda: “No imitamos, interpretamos con nuestra esencia”.

Más que covers: interpretación auténtica

El grupo destaca que no buscan parecerse físicamente ni copiar ademanes. Su meta es interpretar la música de Depeche Mode con autenticidad, respetando la esencia pero aportando su estilo propio. “Tratamos de ser originales dentro de lo que cabe, sin caer en la imitación”.

Repertorio pensado para cada público

Su setlist cambia dependiendo del venue. Desde los éxitos obligados como Enjoy the Silence hasta joyas para fans hardcore como Somebody o Freelove. “Queremos que todos disfruten, desde quienes conocen solo los hits hasta los que saben cada track de los discos más oscuros”.

Una experiencia audiovisual completa

El trabajo visual es parte esencial del show. Miguel explica: “Cada visual está sincronizado con las canciones para transmitir nostalgia, energía y emociones”. El resultado es un espectáculo donde imagen y música se funden para crear una experiencia única.

Planes a futuro

La banda ya ha tocado en escenarios como el Café Iguana en Monterrey y busca llevar el show a más ciudades de México y, eventualmente, al extranjero. Sin embargo, reconocen que es un reto por temas logísticos y de inversión.

Un mensaje a Depeche Mode

Si pudiera hablarles directamente, Miguel diría: “Gracias por haber entrado en mi vida con sus canciones y sonidos. Gracias por influenciarme y permitirnos reinterpretar su música”.

La invitación al próximo show

El grupo invita a todos los fans a vivir una noche mágica: 📅 Sábado 16 de agosto, 8:00 PM
📍 Teatro Las Torres, Satélite
Con apertura a cargo de 60 Grados (tributo a The Cure).

Redes sociales: Depeche Mode Tribute CDMX en YouTube.

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“Demasiado”, uno de sus más recientes sencillos, surgió durante la pandemia mientras se encontraba en Ciudad de México, un período que marcó su carrera por la imposibilidad de realizar giras y por la pérdida de seres queridos. La canción refleja introspección y resiliencia, y se convirtió en un himno para continuar con sus planes musicales en esta nueva etapa.

Gallo explicó que su sonido ha evolucionado desde sus inicios en los años 90, pasando por el electropop y la composición para telenovelas, hasta consolidarse en un rock romántico con identidad propia. Su regreso al pop le ha permitido seleccionar lo mejor de cada uno de sus seis discos, creando un repertorio ideal para su gira Rockstar.

La gira no solo es un espectáculo musical, sino también una declaración artística. Mario Gallo destacó la importancia de México en su vida y carrera, así como su conexión con el público mexicano y las comunidades locales. “México es un país que quiero muchísimo, me siento siempre como en casa”, aseguró.

En cuanto a su proceso creativo, Gallo ha mantenido un rol activo en producción, coproducción y dirección audiovisual de sus conciertos y canciones. Esto garantiza un registro fiel de cada actuación y una calidad sonora que complementa su propuesta escénica.

Para los nuevos fans, Gallo recomienda comenzar con su tema “Más de lo que pensabas”, una canción con energía positiva y emotiva que ha conquistado a distintas generaciones en Chile, Argentina y España. Además, la gira incluirá 15 de sus mejores canciones, acompañadas de un concepto visual innovador en vestuario y escenografía.

Aunque aún no hay confirmaciones sobre invitados especiales, Gallo anticipa sorpresas con artistas chilenos y mexicanos que se unirán a algunos conciertos, dependiendo de la disponibilidad.

Los conciertos de la gira Rockstar 2025 tendrán lugar en ciudades clave de México, incluyendo Ciudad de México, Pachuca y Monterrey, con más fechas por anunciar próximamente. Los seguidores pueden mantenerse al día a través de sus redes sociales: Instagram y Spotify: Mario Gallo.

Con esta gira, Mario Gallo reafirma su lugar en la música latina, fusionando su legado chileno con la pasión y cercanía que México le ha brindado, y l

El cargo Mario Gallo anuncia su gira “Rockstar 2025” y su regreso triunfal a México apareció primero en Rock Adictos.

Este evento promete una experiencia única que une a varias generaciones al ritmo del rock, ska y sonidos que han marcado historia desde los años 80.

Fecha y Lugar

La cita es en Tecate Comuna 2025, que se llevará a cabo el 22 de noviembre en el Foro Cholula, en Puebla, un espacio que se ha consolidado como epicentro de la música alternativa y la cultura contemporánea. Maldita Vecindad será uno de los actos principales que harán vibrar a miles de asistentes con su energía y carisma característicos.

¿Por qué no te puedes perder a Maldita Vecindad en Tecate Comuna?

Con más de 35 años de trayectoria, Maldita Vecindad es sinónimo de identidad, protesta social y mezcla musical que combina el rock, ska, punk y ritmos latinos. Canciones icónicas como “Pachuco”, “Kumbala” y “Un poco de sangre” han trascendido generaciones y continúan siendo himnos imprescindibles en cualquier festival.

Su participación en Tecate Comuna 2025 será una oportunidad para vivir en vivo la potencia de sus conciertos, donde la interacción con el público y la entrega total son la constante. Además, Tecate Comuna ofrece una plataforma perfecta para disfrutar no solo de la música, sino de un ambiente cultural con gastronomía, arte urbano y activaciones únicas.

Line Up y Ambiente Festivalero

Maldita Vecindad se une a una cartelera de primer nivel con bandas nacionales e internacionales como Foster the People, Zoé, Panteón Rococó y Julieta Venegas. Tecate Comuna 2025 es más que un festival; es un punto de encuentro para amantes de la música, el arte y la cultura urbana.

Entradas y Acceso

Los boletos para Tecate Comuna 2025 están disponibles en línea a través de Ticketmaster, con opciones de accesos generales y VIP para una experiencia completa. Se recomienda adquirir los pases con anticipación debido a la alta demanda.

Cómo llegar y recomendaciones

Tecate Comuna se realiza en una locación accesible en Cholula, Puebla con transporte público y estacionamientos cercanos. Para aprovechar al máximo la experiencia, se recomienda llegar temprano, hidratarse y estar listo para disfrutar de horas de buena música y cultura.

No pierdas la oportunidad de vivir un concierto histórico con Maldita Vecindad en Tecate Comuna 2025, donde la música y la cultura urbana se unen en una fiesta para el alma y los sentido

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